摄影师通过构图和视觉呈现每一帧画面。画面可以是广阔的，或者是近距离的细节，对称平衡或者不规则的。构图是摄影技术中最容易练习的一项，只需拿起摄影机或者手机的后置摄像头就能开始拍摄。但是，什么因素会影响到构图的好坏呢？本文我们将讨论5种不同的技巧，帮助大家以更具电影感的视角构图，用图像来讲述故事。
一、恰当地使用背景
选择每一帧画面中，要包含或排除的元素都是一个有意识的决策。无论是电影摄影还是摄影，大多数画面都可以分为两个部分：主体和背景。主体是吸引眼球的元素，而背景则是将主体放置在其中的环境。
当导演安排演员在场景中行动时，他们决定摄像机的位置和构图时，考虑的一个因素就是要将主体放置在什么样的背景之前。背景的作用是传达画面中的信息。对于一个孤立的角色置于白墙背景的画面，提供给观众的信息是有限的。
而将角色置于精心布置的宽敞背景中，通过窗户外面可以透露出更多信息。比如这个场景中的角色坐在破旧的化妆室里，可能是一个表演者。窗外高楼大厦暗示着这是在城市里。他正在与另一个角色互动，但因为他的焦点清晰，摄像机暗示他是这个场景中的主要主角。
对于一些非传统叙事风格的电影制片人来说，他们通过构图手法，帮助观众更多地了解角色和环境。
二、恰当的镜头焦距
镜头焦距是镜头的放大倍数，以毫米为单位表示。镜头焦距可以分为广角镜头、中焦镜头和长焦镜头。广角镜头、中焦镜头和长焦镜头不仅提供不同级别的放大效果，还会改变画面背景的表现形式。
焦距越广，画面就越扭曲和拉伸，因此你会看到更多的背景。而焦距越长，画面就越压缩，你会看到较少的背景。
因此，在构图近景时，要考虑是否使用超广角镜头，使摄像机更接近演员，从而在背景中显示更多信息；或者使用长焦镜头，将摄像机远离演员，并以浅景深显示较少的背景。
三、运用构图法
虽然构图在技术上没有对错之分，但在电影制作中有一些美学和电影常规或指导方针被广泛采纳。其中一个基本的构图准则是“三分法则”。这个原则建议将画面分为九个部分，由两条均匀分布的竖线和两条均匀分布的横线组成。然后将画面中最引人注目的元素，如主体，放置在这些线条或交叉点上。
例如，构图地平线时，通常会让天空部分占据画面的上三分之一，而地面部分占据下两分之一。或者反过来，让地面部分占据画面的下三分之一，天空占据上两分之一。另一个构图概念是引导线。这些是画面中的物体在构图上形成隐形路径，引导观众的目光朝向画面的特定部分。
在对称构图中，可以找到一些元素来引导观众的目光，比如门口的位置，人物站在那里。电影制片人还可以通过在构图中创造一个“框内框”的效果，将主体放在一个形状内，比如镜子、门或窗户，从而营造出更正式的视角。
在构图时最重要的决定之一是决定画面有多宽或多窄。如前所述，较宽的画面有助于展现角色周围的环境，让观众熟悉电影世界的地理位置，而较窄的画面则可用于放大和突出细节，无论这些细节是故事中的重要对象还是更好地读取和强调某人脸上的表情。
最重要的一点是，在现实生活中，我们与一个人的距离定义了我们与他们的情感关系。因此，我们将画面对准角色的时候，距离越近，感觉就越亲密，而较宽的构图则感觉更加情感中立和观察性。
四、摄像机拍摄角度
大多数电影镜头都是从中立或中等角度拍摄的，摄像机的位置大致与角色的眼睛高度相同，没有明显的垂直倾斜。这种角度接近观众自己的视角，可以建立与角色的情感共鸣和认同感。它还传达一种正常和现实的感觉，不会视觉上令人感到刺激。
低角度是指摄像机的位置低于角色的视线高度，并朝上倾斜，这样会产生一种不平衡的情感连接，通常用于让角色显得更加强大、体积更大、占据主导地位和更强势。而高角度则是从高处拍摄，摄像机向下倾斜，通常会产生相反的效果，让角色显得更加脆弱、体积更小或者更弱。
五、维持画面平衡
通常被认为具有电影感的画面都具有一定的平衡感。然而，这种平衡也可以被故意打破和颠覆以产生特殊效果。
平衡画面是指画面中没有任何元素的视觉重量过大而使其他区域显得不平衡。可以通过消极空间（画面中没有重要视觉元素的区域）和积极空间（画面中吸引眼球的区域）来思考平衡。
电影制片人可以通过将主体中心化并将消极空间与积极空间相对等地分布来创造对称平衡。或者通过将主体放置在图像中心以外的位置，并将消极空间的元素加重在图像的另一侧来创造非对称平衡。其他视觉因素，比如颜色或光影区域，也可以被利用来实现对称或非对称的画面平衡。
并没有什么神奇的万能工具能够让你创建完美的电影感画面，可能因为真正的电影感画面并不“存在”。有些电影可能需要更难看的、不规则的构图，而其他电影可能受益于更精确、对称的形式。关键在于形成对故事的视角，然后将其转化为画面。
新影像给摄影师带来了机会。
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